Bir Animasyon Filminde Sinematografi Ne İşe Yarar?

Bir Animasyon Filminde Sinematografi Ne İşe Yarar? Pixar filmleri üzerine bir inceleme. Lumière kardeşler, Georges Méliès ve Walt Disney gibi kişilerin öncülüğünü yaptığı elle çizilmiş animasyon, sinemanın başlangıcından beri var. Pixar, Disney vb. stüdyolardan gelen animasyon filmlerinin son dönemdeki akını bir gösterge olarak kabul edilirse, 1926’daki Prens Ahmed’in Maceraları adlı ilk animasyon filminden bu yana çok yol kat ettik. The Walt Disney Company’nin sonraki sürümleri, daha önce filmde kullanılan siluet animasyonunun temel tekniklerini temel aldı ve bunları el çizimi teknikleriyle birlikte mükemmelleştirdi. 

Francis Ford Coppola ve George Lucas gibi yeni ortaya çıkan devler tarafından desteklenen Pixar, 1974’te kuruldu. Dijital film yapımına yönelik yeni ve ilgi çekici bir vizyona sahip olan stüdyo (bir bilgisayar grafik laboratuvarı olarak başladı), Jedi ve Star Trek: Han’ın Gazabı gibi Return of gibi filmler için dijital efektler üzerinde çalışmaya başladı. Sonunda, üç uzun metrajlı animasyon filmi yaratmak ve yayınlamak için Disney ile yapılan tarihi bir anlaşmanın parçası olarak, 1995 yılında ilk bilgisayar animasyonlu uzun metrajlı filmini yayınladılar. Oyuncak Hikayesi filmi büyük bir başarı elde etti ve devam eden başarısının büyük bir kısmından sorumlu oldu.

Günümüzde Pixar’ın animasyon filmleri izleyicileri çarpıcı görsellerle tanıştırıyor ve bir zamanlar sinemada imkansız olduğu düşünülen şeylerin sınırlarını zorluyor. Zamanımızın en sevilen filmlerinden bazıları Up, Inside Out, Soul, Onward ve daha birçok animasyon filmi olmuştur. Peki Pixar filmlerini bu kadar özel kılan ne? Sinematografinin bir animasyon filmde oynadığı role ve bir Pixar filminin bu şekilde görünmesine nasıl yardımcı olduğuna bir göz atalım. Ayrıca Pixar tarafından oluşturulan Renderman Nedir? Ne için Kullanılır? ile ilgili oluşturduğumuz yazımıza bakmayı unutmayın.

Önerilen Video:

Bir Görüntü Yönetmeni Bir Animasyon Filminde Ne Yapar?

Animasyon, ekranda gösterilebilecekler konusunda sonsuz sayıda olasılığa sahip, büyüyen ve sürekli gelişen geniş bir alandır. Animasyon, çizilmiş veya işlenmiş resimleri hareket ediyormuş gibi gösterecek şekilde değiştirme sanatını ifade eder ve bu, filmin geleceği için pek çok ümit vaat etmektedir. Bir animasyondaki sinematografi başarılı da olabilir, başarısız da olabilir, ancak çerçeveleme, düzenleme ve kamera hareketlerinin tümü aksiyonu geliştirmek veya anlatıyı oluşturmak için çok önemli araçlardır.

Her beceri seviyesinden animatör, çekimlerden dolayı rutin olarak hayal kırıklığına uğrar. Animasyon, bir istisna dışında bilgisayardaki canlı aksiyonla aynıdır: her adım gerçek hayattakiyle aynıdır. Firmaların çoğunluğu 3 boyutlu alanda gerçek kameralar gibi işlev gören kameralar kullanır. Bazı stüdyolar ayrıca fiziksel kameralar kullanır ve bunları 3 boyutlu alana kadar takip ederek ekrana aktarır. Aradaki bariz fark, bir animasyon filminin 2D storyboard’ları 3D’ye nasıl dönüştüreceğini çözen bir düzen ekibine sahip olmasıdır. Bu nedenle animasyonda sinematografi, bir sahnenin arka plan, karakterler ve ortam gibi öğelerini, 3 boyutlu alanda gerçekçi bir şekilde hareket edebilecek ve tepki verebilecek şekilde düzenleme sürecine öncelik verir. Birçok kamera operatöründeki canlı aksiyonda olduğu gibi, görsel dili geliştirmek için animasyon ekibiyle işbirliği yaparlar.

Bir animasyon projesi geleneksel çekim süreçlerini gerektirmediğinden, animasyon filmlerin görüntü yönetmenleri yoktur. Ancak filmlerin görünümünü oluşturmak için storyboard ve tasarım süreci boyunca birlikte çalışan görüntü yönetmeni, sanat yönetmeni ve tasarım sanatçıları vardır. Uzun metrajlı bir animasyon filmi büyük bir sanatçı ekibinin birlikte çalışmasını gerektirdiğinden, bilgisayar grafikleri tamamen insan müdahalesi olmadan kullanılmaz. Bunun yerine, iş yükünü azaltmak ve animatörlerin her kareyi sıfırdan çizmek veya tasarlamak zorunda kalmadan daha geniş bir hareket ve ifade yelpazesini tasvir etmelerine yardımcı olmak için kullanılırlar. Bu, özellikle animatörün tekrarlanan hareketleri ve hatta basit görevleri tasvir eden bir dizi oluşturması gerektiği senaryolarda faydalıdır. Sonunda animatör mevcut animasyon planlarını alıp bunun etrafında bir dizi hareket yaratabilir. Ayrıca Animasyon ve Karakter Tasarımı için 3D Rigging Nedir? ile ilgili oluşturduğumuz yazımıza bakmayı unutmayın.

Animasyon Ortamında Sinematografi Nasıl Çalışır? 

Canlı aksiyon filminin temel birimi çekim olabilirken, animasyon filmlerinde çekim kamerayla yakalanmaz, çizilir yada 3d olarak oluşturulur. Bu nedenle animasyon filmlerindeki çekimleri belirli bir anı anlatan çizim yada sahne dizileri olarak düşünmekte fayda var. Düzenleme ve yerleştirme açısından kaba taslak aşama, storyboard oluşturmada yapılır. Bu, filmde gördüğümüz şekliyle “çekimler” dizisinin aslında animasyon dizilerinin birbiri ardına kurgulanması olduğu ve filmlerde görmeye alışık olduğumuz kamera işlerini çağrıştıracak ve taklit edecek şekilde yapıldığı anlamına geliyor. Bu noktada da Konsept sanatının oldukça büyük bir gücü vardır.

Dolayısıyla süreç bildiğimiz geleneksel sinematografiden önemli ölçüde farklı olabilir. Birincisi, ilk aşama en önemli olanıdır. Sanat yönetmenleri, tasarım sanatçıları ve görsel geliştirme sanatçılarıyla birlikte yapılan storyboard çalışmaları, tüm filmin havasını ve tonunu belirler. Bir çizgi romanın panel panel bir araya getirildiğini ve ardından bu sürecin binlerce kez karmaşıklaştığını hayal edin. Animasyon filmlerinin gerçekçi bir şekilde hareket, orantı ve duyguyu aktarması gerektiğinden, her şeyin nereye gideceğinin seçimi ve yerleştirilmesi son derece önemlidir. Bu bir kez yerine getirildikten sonra, onu farklı bir görsel dile sahip çok yönlü bir proje haline getirmek için aydınlatma, renk, perspektif vb. ek öğeler eklenebilir. Ayrıca 6 En iyi Film Aydınlatma Tekniği ile ilgili yazımıza bakmayı unutmayın.

Pixar’s Up’ın ilk storyboard’larına bir göz atın :

İlkel olsa bile sahnenin hareketi ve perspektifi hakkında bir fikir verir. Bu çizim dizisini animasyonlu bir sahneye dönüştürmek için hareket ve kamera çalışmasının etrafında döneceği temel budur.

Bir sonraki aşama, sanat departmanının her sekans için bir çalışma kitabını bireysel bir sanatçıya veya sanatçı grubuna teslim ettiği düzendir. Yukarıdaki görselde görebilirsiniz. Sahneleme ve ışıklandırmayı (sinematografi) düzen sanatçıları yapar. Bu düzeyde, sahne belli başlı mekanlar kısmen planlanmış olabilir ya da hikaye için eş zamanlı olarak geliştirilebilir.

Bu, bir canlı aksiyon filminin görüntü yönetmeninin de aynı şekilde yapacağı şeydir. Her şey animasyondan önce yapılır. Çoğu durumda animatörler karakterler üzerinde yapımın ilk aşamalarında çalışıyorlar. Çalışma kitapları, her sahnenin tamamı için benzersiz arka planlar olan tam düzen ile tamamlanır. Bu ekip her seferinde bir dizi üzerinde çalışıyor ve ardından bunu animasyona aktarıyor. Animasyon yapabilmek için animatörün her sahnenin arka planına erişmesi gerekir.

Kamera yerleşimi, kompozisyonu ve tekniği ile ilgili talimatlar da vazgeçilmezdir. Kamera hareketinin temellerini kullanmak ve bir sahneyi buna göre canlandırmak, böylece izleyicinin her olayı sanatçının amaçladığı gibi görmesi, farklı bir anlam ve önem katmanı ekler. Dolayısıyla kompozisyonun bu yönleri, sanatçıların, sanat yönetmenlerinin ve teknisyenlerin daha iyi işbirliği yapmasına yardımcı olan bir yol haritası işlevi görür.

Pixar Filmlerinin Bu Kadar Güzel Görünmesini Sağlayan Nedir?

Up, Inside Out, The Incredibles ve Toy Story 4 gibi birçok Pixar projesinin görüntü yönetmeni olan Patrick Lin, gerçek bir kameranın kullandığı gibi perspektif ve kompozisyon kullanan bu animasyon modunda büyük bir etki yarattı. Sahnelerdeki sahte “kamera” yerleşimleri çoğu zaman muhteşem, sofistike sonuçlar veriyor. Sahneler, canlı aksiyon filmlerinde görmeyi bekleyeceğiniz karmaşık kamera hareketlerini taklit ediyor ve bu, animasyona insani bir dokunuş getirmeye yardımcı oluyor. 

Lin şunları söyledi:

“Duyarlılık açısından canlı aksiyon çekimi ile bilgisayar animasyonu arasında bunun tamamen aynı olduğunu düşünüyorum, çünkü amacımız görsel olarak bir hikaye anlatmak ve bunu yapma şekli de tamamen aynı. Kamerayı nasıl kurarsınız, ne tür lens kullanırsınız, ne tür kamera açısı kullanırsınız… ister canlı aksiyon ister animasyon film olsun, teknik aynı.”

Lin’in kamera ve lens seçimleri, her ne kadar karmaşık görünse de aslında oldukça basit; kompozisyon ve kamera çalışmasının temel ilkelerini takip ediyor. Aslına bakılırsa Lin, üst düzey sinema camından dengeleyicilere kadar gerçek dünyadaki kamera ekipmanlarının gerçek hayattaki özelliklerini ve etkilerini kopyalamak için önemli çaba harcadı. Bu amaçla bazı ünlü Pixar filmlerine göz atalım ve bu filmlerin neden bu şekilde göründüklerinin ardındaki nedenleri ve teknikleri inceleyelim.

Oyuncak Hikayesi 4’teki bu kareyi düşünün. Sahnenin etkileyici karmaşıklığı, tutarlı yansıma ve yakın, neredeyse klostrofobik POV çekimleri olmasa bile bir şeyler göze çarpıyor. Bu, iki karakterin aynı anda odakta olma şeklidir. Elbette bir canlı aksiyon filminde bu, iki odak düzleminin kusursuz şekilde harmanlanmasına olanak tanıyan bölünmüş diyoptri merceğine atfedilebilir. Ancak bunların hepsi animasyon olduğundan ve kamera lensleri olmadığından bu seçim daha da ilginç.

Bir tarafta dışbükey cam, diğer tarafta düz cam, bölünmüş diyoptri merceğin çalışmasını sağlayan şeydir. Bu, bir tarafın miyop, diğerinin ise uzak görüşlü olmasına neden olur ve görüntünün her iki yönünün de yeterince keskin olması için aynı anda birkaç düzleme odaklanmanıza olanak tanır.

İki odak uzaklığının aşırı farkı, dünyayı iki farklı mesafeden gördüğünüz anlamına gelir; bu da çerçeveye biraz gizem ve belirsizlik katar. Dünyaya alışılmadık ve alışılmadık bir bakış açısı olduğundan şaşırtıcı ve kafa karıştırıcı olabilir. İzleyicilerinize manzarada bir sorun olduğu izlenimini verir.

Bu gerilimin artmasına yardımcı olur. Aslında bu, tipik olarak düz bir konumu potansiyel ve aldatmaca içeren uğursuz bir arka plana dönüştüren bir değişimin harika bir erken göstergesidir.

Benzer şekilde Inside Out da kendi amaçlarına hizmet etmek için “elden çekimleri” kullanıyor. Bildiğimiz gibi hikaye iki düzlemde gelişiyor: gerçek dünya ve Riley’nin duyguları. Bu amaçla, Riley’nin deneyimlediği şekliyle, gerçek dünyanın tasvirinde öncelikle elde çekimler kullanıldı . Bu titreklik hissini korumak, filme insani hata ve çabayı çağrıştıran samimi bir yakınlık kazandırdı. Riley’nin anlatımında daha süzülmüş, ayakları yere basan ve gerçek olan renkler bile , Joy’un Riley’nin iç dünyasına bakış açısına gelindiğinde pembelerin ve morların canlı tonlarına dönüşüyor . 

Lin ayrıca Riley’nin yaşadığı gerçek dünyayı farklı bir çekim tarzıyla aşılıyor. Bunu bu şekilde düzenlediler çünkü bu iki ayrı gerçekliği , yani Riley’nin yaşadığı gerçek dünyayı ve Joy’un kişileştirdiği duygularının alternatif dünyasını yakalamak istediler . 

Sonuç, sanki gerçek hayatta çekilebilecekmiş gibi görünen bir film. Estetiğe gerçekçi bir dokunuş kazandırmak için Lin, Riley’nin sahneleri sırasında elde tutulan kamera hareketi gibi “gerçek dünyaya ait” kamera hareketlerini kullanıyor. Tam tersi, geniş vinç çekimleri, tavalar ve eğimler Joy’un fantastik duygusal dünyasını sergilemek için kullanılıyor . Gerçek dünyanın çılgın, titrek doğasının yerini, filmin konusu içinde anlamlı olan, zarif, neredeyse rüya gibi bir kalite alıyor. Bu tür pürüzsüz, sofistike kamera çalışmaları, özellikle karakterlerin iç yaşamları söz konusu olduğunda, filmin zengin ayrıntılarını ve arka planını göstermeye de yardımcı olur.

Lin aynı zamanda Oyuncak Hikayesi 4 gibi filmlerde anamorfik lensi ve bunun geleneksel film görüntüleri üzerindeki etkisini de taklit ediyor . Arka plandaki ışık kaynaklarının keskin silüetler yerine yumuşak ve bulanık olduğu şu fotoğrafa bir bakın. Ayrıca anamorfik çekimle meşhur olan oval bokeh’e de sahipler. Filmde gerçek bir kamera bulunmadığından bu, izleyiciyi karakterlerin dünyasına çekmek ve mümkün olduğunca gerçeğe yakın bir hikaye yaratmak adına var olan tamamen stilistik bir seçimdir.

Sonuç

Pixar, duygusal tepkiler yaratma açısından en iyi sinematik animasyon stüdyosu olabilir. Pixar şu ana kadar 23 uzun metrajlı film üretti. Bazıları diğerlerinden daha iyi olsa da hepsi benzersiz bir şey sunmayı amaçlıyordu. Duygusal bir yolculuk, teknik bir başarı ya da unutulmaz karakterler. Bazıları sizi ağlatırken, bazıları son teknoloji görsellerle sizi şaşırtıyor ve mutlaka izlenmesi gereken bu animasyon filmlerin çoğu, dostluk hikayeleriyle kendinizi harika hissetmenizi sağlıyor.

Pixar’ın kullandığı animasyon stili tek bir kelimeyle özetlenebilir: Büyüleyici. Yıllar boyunca çektikleri filmler, animasyonun bir film yapımı biçimi olmasına rağmen geleneksel hikaye anlatma yöntemlerinin geçerliliğini ortadan kaldırmadığını kanıtlıyor.

Bunun yerine, dikkatli kamera yerleştirme, dünya oluşturma ve muhteşem animasyon/sinematografi yoluyla Pixar filmleri, gerçekten özel bir şey yaratmak için bir araya gelen teknoloji ve hikaye anlatımının temellerinin en iyi örneğidir.  Hatta Pixar’ın başarısının ve izleyiciler nezdindeki duygusal çekiciliğinin, büyük ölçüde , hem gerçekçi hem de fantastik görünen hikayeler yaratmak için eski ile yeniyi harmanlama becerisine ve istekliliğine dayandığı bile söylenebilir . Pixar filmlerinin asla tam anlamıyla kaçışçı olmamasının bir nedeni var. Dünyayı bize geri yansıtıyorlar, ama daha iyisi sanatsal bir kapris ve güzellik duygusuyla.

Daha fazla oku:

• Game Maker Engine: 2D Oyunlarda Ustalaşmak İçin Başlangıç Rehberi
• Okullar Arası Unreal Engine Kısa Film Yarışmasından İlham Alın
• Unreal Engine Eğitimi – 1 Saatte Unreal Engine Temelini Öğrenin
• Animasyon için Dört Ayaklı Yaratık ve Hayvan Anatomisi